Artes
Lista onde se agregam conteúdos de blogues que abordam de uma forma não fundamentalista a temática da Arte. A lista pode sofrer alterações em qualquer altura, sendo a selecção dos blogues incluídos feita pelo editor deste blogue.
Amateur d'art » Tatiana Trouvé
La sélection de Tatiana Trouvé pour le Prix Marcel Duchamp ne fut pas une surprise. L’exposition à l’Espace 315 du Centre Pompidou (jusqu’au 29 septembre) ne surprend pas non plus, mais elle permet de mieux saisir sa démarche. Davantage qu’au Palais de Tokyo l’an dernier, elle maîtrise ici le jeu d’illusions dans l’occupation de l’espace, fausses ouvertures, miroirs trompeurs, architectures déroutantes.
La grille centrale crée de faux espaces, de fausses perspectives. On devine ici et là des brûlures, des taches, des flaques d’eau. Les dessins au mur, enrichis de fils de métal, sont pleins d’architectures incertaines. Son travail s’inscrit dans une quatrième dimension, dit-elle (’4 between 2 and 3′). Tous ces discours pseudo-mathématiques, théories einsteiniennes mal digérés, sont un peu fumeux : j’ai toujours été étonné par l’enthousiasme des diplômés des beaux-arts (et des critiques) pour les discours scientifiques un peu abscons (ce n’était pas vrai là, toutefois).
Mais qu’importe, cet espace superbement occupé nous désoriente allègrement. Sur deux des murs, du sable noir s’écoule au sol depuis des trous dans le mur. Le temps passe, la pyramide de sable grandit, peu à peu l’exposition va être submergée, enfouie. Tout le Centre Pompidou peut-être, lui aussi enseveli, devenu vestige du passé, archéologisé (comme là). Belle perspective !
Photo courtoisie Centre Pompidou
Tatiana TROUVÉ, Sans titre (de la série “Remanence”) 2008, Crayon sur papier, plomb, étain, plastique, 57 x 76, 5 cm. Photographe : Marc Domage, Courtesy Almine Rech Gallery, Bruxelles, Courtesy Galerie Emmanuel Perrotin, Miami & Paris, Courtesy Galerie Johann König, Berlin [Link]
Amateur d'art » Cube blanc
Inside the White Cube de Brian O’Doherty, publié initialement en 1976 (et dont une traduction française doit enfin sortir à l’automne, 32 ans plus tard) est un des livres fondateurs sur l’art de l’exposition et l’idéologie de l’espace de la galerie ou du musée. Tout commissaire de qualité s’en est inspiré, tout critique d’art l’a lu (au moins les anglophones).
Quand on confie le cube blanc d’un module du Palais de Tokyo à un artiste intelligent, critique et ironique comme Yann Sérandour, l’occasion est trop belle pour lui de critiquer l’institution muséale avec humour et, avec une drastique économie de moyens, de créer une pièce dont on se dit d’abord ‘qu’est-ce là ?’ avant de s’interroger sur l’exposition, sur l’acte d’exposer, je veux dire.
L’édition 1986 du livre de Brian O’Doherty par les Presses de l’Université de Californie, d’un blanc immaculé, a une couverture carrée, de 21,2 cm de côté. Et si l’on empile 18 exemplaires du livre, on obtient un cube, blanc, de 21,2 cm d’arête. C’est tout ce que vous verrez au Palais de Tokyo(jusqu’au 24 août). C’est bien assez pour vous inciter à (re)lire ce livre et à vous interroger sur le mythe fondateur du cube blanc comme espace d’exposition.
Ajoutons que Brian O’Doherty vient de mettre symboliquement fin aux jours de son hétéronome, Patrick Ireland, nom d’artiste qu’il avait adopté pour protester contre la répression britannique en Irlande du Nord.
Photo de l’auteur.
PS déontologique : ce module est le résultat d’un projet mené par l’Association des Amis du Palais de Tokyo, projet dans lequel l’auteur de ce blog a été impliqué.
[Link]
ILLUSTRATION ART » WALTER EVERETT (1880 - 1946)
Walter Everett's life seemed to revolve around his artwork.
As a gifted child, he was preoccupied with drawing and painting. He rode a bicycle 30 miles to take art lessons from Howard Pyle, the father of American illustration. By his early 20's Everett was already acclaimed for his work in some of the most prestigious illustration markets in the country. He did this beautifully composed drawing for Colliers at age 20:
Everett was an excellent artist but he focused so much on art that he often ignored his other responsibilities. He spent so much time mastering his craft, he frequently forgot to pay his rent or utility bills. He devoted countless hours to cutting and reshaping his beloved brushes, and even designed his own easel (which he imported from France) but he neglected his wife and son, who tired of his obssession and left him in 1917. In pursuit of artistic excellence, he even ignored the demands of his clients, refusing to compromise his high standards to meet their deadlines.
This masterpiece by Everett is from the Kelly collection of American Illustration. Everett worked on it so long that the client did not have time to print it in color, and had to settle for black and white.
His personal pride in his art was apparent from his bold signature in the drawing above:
and the sign he painstakingly hand lettered for his studio:
Yup, it seems that Everett was prepared to give up just about everything for art. It was his reason for living.
Then, at the peak of his career, in an act of howling madness, Everett "gathered the bulk of his life's work," burned it to ash and disappeared from illustration forever.
Nobody knows why.
[Link]
BibliOdyssey » Scrapbook Florilegium
A couple of months ago, we saw an album of hand-coloured allegorical illustrations about a festival held on the occasion of the baptism of Princess Elizabeth of Hessen in 1596.
It turns out that there are three related works held by the Munich State Library. They are: BSB Cod.icon. 340 (we saw last time); BSB Cod.icon. 27(1 {the present botanical album} [translation] and BSB Cod.icon. 27(2 {I haven't had much of a look at this due to the present bandwidth problems, but it seems to be another allegorical festival work relating to an Essen royal parade}.
I *think* the present florilegium was painted onto pages from both of the Essen tournament works, hence making up a kind of scrapbook. The binding bears a date of 1606 and the volume is made up from pages out of the books from 1596 and 1598 by Wilhelm Dilich. The botanical artist is not known and their lush naturalistic watercolour flowers are accompanied by latin taxonomic names.
It was surely an eccentric editorial choice to paint beautiful flowers alongside such striking imagery as beheadings and dragons! [Link]
Book Covers blog » Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction
We Made This has a nice write up of the new Great Ideas series coming out of Penguin. As usual, they’re mostly designed by David Pearson, and they’re mostly insanely awesome.
Check them out here.
Our personal favorites are Nature, The Evils of Revolution, and Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction, which you see to the left.
[Link]
BibliOdyssey » Grab Bag
‘Harlemi apud Petrum van Assendelft - Pharmacopoea Harlemensis'
Engraving by Jan Caspar Philips, 1750. Spliced together from screencaps and sourced from the North Holland Archives. There's precious little information online about this Dutch engraver (nor this engraving) who is best known for a series of portrait plates made of senior Mennonite Ministers.
‘Verhael met den Almanach..' is a very small 1692 folklore book by Jacob Mesens with a number of slightly absurd woodcuts (in the manner of le monde renversé), combined with a couple of poems. It is easily accessible from the Antwerp Library Archives.
‘Wapen. Des Heyligen Römischen Reichs Teutscher Nation' or Koebel's Wappenbuch (Coat of Arms book) is interesting because the heraldic symbols are all featured on flags - although perhaps not so obviously with the two example images - held aloft by the mercenaries known as Landsknechts (seen recently). Published in 1545 by Jacob Koebel, this rare wappenbuch features around one hundred and fifty full page illustrations (by Jacob Kallenberg - monogramme: 'IK') of the puffy shirt-wearing, armor-clad flag bearers; and in passing, I noted a subsequent edition from the late 16th century selling for ~€4000. The complete book is available online at the Bavarian State Library. [via Archivalia]
‘Buch der Kunst dadurch der weltliche Mensch mag geistlich werden' (something like: Art book to help the secular man find spirituality). This incunabulum was published in Augsburg by Johann Bämler in 1477 and is as good a place as any for all your medieval woodcut devil and tentacle seahorse porn needs. The book is hosted by Württembergische Landesbibliothek, Stuttgart - their digital collection is only modest in size but contains some interesting items.
‘Pyramides ante fores Regii Hospitii in fordo Civitatis Gedanensis Collocatae'
'Arcus circa festivitatem Regiarum nuptiarum in
medio Longae Plateae civitatis Gedanensis erectus'
Description: Triumphal gate with Atlas and Hercules, built in Gdańsk in honour of Ludwika Maria Gonzaga.
Martius
All these three illustrations, from 1646, were produced by Jeremiasz Falck, a Polish artist who worked all over Europe. The Martius illustration was designed by the great German Baroque artist, Joachim von Sandrart. I confess to having no clue as to the nature of those elaborate ornamental calligraphy prints but presume they were commemorative works, given the description of the 'Arcus Circa' design. A portrait of Ludwika Maria Gonzaga is actually among a small collection of illustrations by Falck hosted by the Polish Digital Library (put 'Falck' in the search box to return eight prints and a portrait of the artist).
The latest Sothebys* catalogue (English Literature, History, Children's Books & Illustrations) lists a number of previously unknown original ink and watercolour sketches by Beatrix Potter. The bespectacled mouse illustration (1890) above, spliced together from screencaps, displays Potter's fondness for drawing mice reading newspapers, a subject which appears in a number of her works.
*[requires registration]
I have absolutely zero recollection and no notes in relation to this image. If anyone has any info. about the repository, artist or date, please let us know.
I left the title tag with 'Russian Cthulu'* in deference to the Babs71 LiveJournal site owner's entry. They photographed this map in a local shop in Russia. It's trilingual (Finnish + Swedish as well as Russian) and was probably produced in Scandinavia. It was made after 1900* (the Paris Exhibition is noted on the map). Some of the caricatures appears to be non-contemporary national symbols/people and some of the imagery has been lifted from previous joco-serious cartographic curiosities.
*Update: P-E Fronning comments:
“..it says on the map "Europe and the world's largest monarchy before its overthrow" so I guess either it is a call to overthrow the government or it is made 1917 or after." [Link]
Amateur d'art » Argument de la Diagonale, les sentiers qui bifurquent
Il faut aller jusqu’à BétonSalon, centre d’art innovateur maintenant bien installé dans le 13ème, pour y voir cette exposition sur les réseaux et les graphes. Sujet rébarbatif, me direz-vous : est-ce mon lointain passé de matheux qui m’attira là ? Non, sujet joyeux, foisonnant, stimulant : comment nous connectons-nous, à quoi appartenons-nous, qu’est-ce qui nous relie, comment organisons-nous nos pensées ?
Argument de la diagonale (jusqu’au 26 juillet) est, comme le dit le texte des deux commissaires (Isabelle Le Normand et Florence Ostende), “une exposition pour ceux qui aiment les jardins aux sentiers qui bifurquent”. C’est l’hypertexte avant la lettre, la bibliothèque de Borges à l’ère Internet.
On y voit les pages de dictionnaire de Gilles Barbier et surtout son Projet de conservation de ces pages, architecture du savoir, lien entre connaissance et image, avec les petites notules des pages roses du Larousse qui volettent au milieu de l’édifice.
Julien Prévieux y présente une cartographie de termes provenant de scénarios d’espionnage, La somme de toutes les peurs, où personnes, institutions et évènements sont reliés sur ce graphe-mappemonde .
Les Héliographies de Leon Ferrari sont des labyrinthes graphiques où les hommes se perdent et se retrouvent, couvrant tout un mur de graphes roses.
Eric Duyckaerts disserte doctement sur l’analogie (analogue : le discours montant, qui ouvre vers d’autres possibles; catalogue : le discours descendant qui enclot, définit et délimite le propos) et sur les entrelacs (et les noeuds borroméens, bien sûr).
Quant à Claude Closky, il catalogue (justement) les fenêtres publicitaires non désirées qui apparaissent intempestivement en pop-up sur nos écrans : des images omniprésentes, que jamais nous ne regardons et qui nous offrent un autre monde, une autre réalité (où nous serons plus heureux, plus riches, plus forts, plus beaux) de par un simple click vers ce méta-monde (Click Here).
C’est un parcours en zigzag, comme nos pensées latérales, que nous tentons toujours d’organiser, plus ou moins vainement, naviguant entre la rigueur de la structure et la jouissance des bifurcations incongrues.
Beaucoup d’évènements et de discussion autour de l’expo : c’est un des charmes de BétonSalon que cette effervescence d’idées et de discussions, parfois fascinantes, parfois moins, mais toujours stimulantes.
Photographies courtoisie BétonSalon / Isabelle Le Normand; Barbier courtoisie Galerie Vallois, Prévieux courtoisie Galerie Jousse, Closky courtoisie Galerie Laurent Godin.
Gilles Barbier étant représenté par l’ADAGP, la photo de son oeuvre sera retirée à la fin de l’exposition.
[Link]
Amateur d'art » Sommaire de Juin 2008
19 billets ce mois-ci.
2300 visiteurs quotidiens en moyenne.
1er juin : Richard Serra
2 juin : Superdome, première
3 juin : Kader Attia, le vide, le plein
4 juin : Jean-Claude van Damme, l’image du héros
5 juin : Mapplethorpe
6 juin : Des images du silence (Taysir Batniji & Rula Halawani)
10 juin : Peter Doig
11 juin : Deux femmes, deux mystères (Katia Bourdarel & Vanessa Fanuele)
12 juin : A la renverse (Lucie et Simon)
20 juin : Dernière minute (Nikolaj Bendix Skyum Larsen)
21 juin : Jan Fabre au Louvre : “Only acts of poetical terrorism”
22 juin : Sauter comme un cabri
23 juin : Les corps de Natacha (Lesueur)
24 juin : Scènes du Sud
25 juin : Miroslav Tichý à Pompidou (1)
26 juin : Miroslav Tichý à Pompidou (2)
28 juin : Sous-exposition / surexposition (Estefania Peñafiel)
29 juin : Quand j’entends le mot ‘Sacré’…
30 juin : Quand j’entends le mot ‘Sacré’…
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design et typo » Adobe Suite CS3.3 et Acrobat 9 | Adobe booste encore nos métiers
Un lancement de nouveauté est toujours un évènement chez Adobe. L’année dernière nous avons eu droit à celui de la suite CS3, véritable petite révolution dans le landernau du paysage professionnel. Intégration de l’ensemble des applications (Dreamweaver, Flash, Acrobat, Fireworks, InDesign, Photoshop extended, Illustrator etc.) avec une mise à niveau des transversalités, des raccourcis normalisés, [suite...] [Link]
Book Covers blog » American Surfaces
We don’t usually post covers from the art/design genre, but I can’t help but make an exception for this one for the simple fact that I love this non-aesthetic too much not to.
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Amateur d'art » Quand j’entends le mot ‘Sacré’… (2)
Après la profusion d’images spiritistes des premières salles de l’ exposition, quelque peu oppressante pour qui n’est pas passionné par ces courants ésotériques fumeux, on respire enfin en arrivant dans la salle 5, dénommée ‘Absolu’ : des oeuvres pures, simples, dénuées de tout kitsch sacralisant. Malevitch, Mondrian (dont, un peu plus tôt, était hélas montré le très hideux ‘Evolution‘ théosophe : le bout des seins pointe vers le bas au stade des ténèbres à gauche, et se dresse vers le ciel au stade de l’illumination, au centre…; sans autre commentaire), Brancusi, Toroni. Il y a mille fois plus de spiritualité dans l’ Oiseau de Brancusi, instant de beauté pure, se prêtant à la méditation la plus absolue, sans fioritures, sans pesanteurs, que dans les cinq salles précédentes et suivantes.
La salle 12 présente des danses, qualifiées de sacrées. Certaines le sont évidemment, ainsi sur les émouvantes photos d’ Aby Warburg chez les Hopis. Quant à la Danseuse Nègre de Kirchner (1909), on aurait aimé un peu de contextualisation : en quoi le regard sur l’exotisme au début du XXème siècle projette-t-il nécessairement sur l’Autre des fantasmes de sacré, de transe, de syncrétisme. Bien sûr, Picasso vient à la rescousse, et le Phénomène de l’extase de Dali; resterait à montrer comment l’extase amoureuse serait aussi religieuse chez l’un et en quoi l’intérêt pour les formes des masques africains se prolongerait en un intérêt pour leur sacralité chez l’autre.
Il faut parvenir à la salle sur l’Art sacré (18), thème que les commissaires abordent avec une infinie précaution, pour retrouver une certaine ascèse, une pureté qui s’était enlisée au fil des salles précédentes. Là, les artistes assument clairement la dimension sacrée (ici, chrétienne) de leur travail, et, de ce fait, au lieu d’allusions et de citations plus ou moins démontrées, on a clairement devant soi des oeuvres délibérément chargées de spiritualité. Parmi d’autres, les deux croix de Joseph Beuys, Symbole du sacrifice et Symbole de la rédemption, l’une convexe et l’autre concave, sont parmi les pièces les plus fortes de l’exposition (et auraient bien mérité d’en être l’emblême, plutôt que la photo spectrale de main par un médecin spirite de la fin du XIXème).
La salle suivante (19) ‘Malgré la nuit’ parle du doute, de la nuit, de la recherche à tâtons de la foi. Elle regroupe certaines des plus belles pièces de l’exposition, un Rothko vibrant (ah, si on avait pu déplacer ici la chapelle de Houston..), les frêles colonnes de fumée du Souffle du Récitant de Yazid Oulab, et une installation de Bill Viola reconstituant la cellule (de prison) où Saint Jean de la Croix fut incarcéré par l’Inquisition. Dans une grande salle se trouve au centre la petite cellule où le saint était prisonnier, trop petite pour se tenir debout, avec une table, un verre d’eau, une cruche et une image fixe de montagne enneigée. Sur l’écran derrière cette cahute, l’image se déchaîne au contraire : des images saccadées de paysage montagneux, le souffle du vent hurlant sur les sommets, esprit qui souffle ou haleine du diable. Dans la cellule, une voix grave récite les poèmes mystiques du saint. Conflit entre le monde et la vie intérieure, entre le pouvoir et la sainteté, entre le doute et la paix de la foi. Bill Viola est peut-être le plus grand artiste religieux de notre temps, lui qui s’efforce de donner une spiritualité au monde contemporain, qui en manque tant. Cette installation aurait pu donner son sens à toute l’exposition, si celle-ci avait été plus ramassée, plus moderne, plus critique.
Allant vers la fin de l’expo, quelques belles vidéo, ‘I like America..’ de Beuys au coyote, le film noir et blanc de Hans Namuth sur Pollock (celui en couleur, avec la peinture sur verre, est présenté au 4ème étage juste en face de Tichy) et Spiral Jetty.
En résumé, de belles oeuvres, mais trop nombreuses, pas assez sélectives, et surtout un discours critique trop absent de l’expo elle-même (mais présent dans le catalogue, par exemple sous la plume de Mark Alizart).
PS: Le titre vient d’une citation, non de Göbbels, ni de Göring, ni du Général Millán-Astray, mais du dramaturge nazi Hans Johst, dans la bouche d’un de ses personnages : “Wenn ich Kultur höre… entsichere ich meinen Browning.”
Brancusi et Beuys étant représentés par l’ADAGP, les photos correspondantes seront retirées à la fin de l’exposition.
[Link]
Amateur d'art » Quand j’entends le mot ‘Sacré’… (1)
… je sors mon revolver ?
Les expositions thématiques sont difficiles et longues à mettre en place, mais elles devraient toujours être un plaisir pour les yeux et pour l’esprit, créant des liens, bâtissant des passerelles, permettant de confronter des oeuvres de manière parfois improbable. C’est ainsi que Mélancolie fut un immense plaisir, une superbe réussite, et que Un Théâtre sans théâtre fut la meilleure exposition vue l’an dernier. Je n’en attendais pas moins de Traces du Sacré, à Pompidou jusqu’au 11 août. Sujet important, essentiel, central dans l’histoire de l’art.
Alors pourquoi, après deux visites (il faut bien ça, vu la taille de l’ exposition), en suis-je ressorti avec une opinion plutôt mitigée, malgré la qualité des oeuvres présentées ? J’y vois trois raisons : trop grand, trop mystique et trop peu critique.
Trop grand : qui trop embrasse mal étreint. Pris d’une sacrophilie dévorante, les commissaires traquent toute trace du sacré, même infime, partout où ils le peuvent. Il suffit qu’un artiste, à un quelconque moment de sa vie, ait manifesté un peu d’intérêt pour un quelconque courant plus ou moins relié à la religion, pour qu’on le retrouve ici. Nul ne niera que le travail de Beuys ou de Pollock ait été influencé par le chamanisme, sibérien ou indien, par exemple, mais est-il nécessaire d’inclure ici Man Ray (La prière, certes : sacré ou blasphème ?), Duchamp ou Strömholm, parmi d’autres ?
Trop mystique : je ne suivrais pas les cul-bénits qui protestent contre la trop faible présence de l’art catholique, là n’était pas le but de l’exposition, mais, a contrario, les premières salles font la part belle au spiritisme, à l’ésotérisme, à Sâr Peladan et à Aleister Crowley. Sans doute, esprit trop rationnel, suis-je aux antipodes de la mystique New Age, mais je me suis franchement ennuyé devant ces évocations spirites.
Trop peu critique : c’est là, à mes yeux, le défaut principal. Peut-on aujourd’hui (dans l’exposition elle-même*) présenter un discours neutre et documentaire sur le sacré, peut-on se contenter d’un balayage large des diverses quêtes spirituelles sans soulever les enjeux philosophiques et sociaux que ces questions soulèvent. On parle peu de théologie dans cette exposition, et beaucoup de mystique, et on n’y parle pas du tout ou presque de l’utilisation du sacré par le pouvoir. Comme Art Press, je trouve que le sacré a un ‘arrière-goût un peu amer’ et j’aurais bien titré comme eux “Le sacré, voilà l’ennemi !”
Rangeons l’arme dans son étui, et, dans le prochain billet, parlons de quelques oeuvres exposées.
* Le catalogue, très bien fait, traite un peu ces questions, mais la plupart des visiteurs passent à côté.
Man Ray et Jean Delville étant représentés par l’ADAGP, les photos correspondantes seront retirées à la fin de l’exposition.
[Link]
Amateur d'art » Sous-exposition / surexposition
Ça aurait pu être le titre de cette exposition d’ Estefania Peñafiel à la Galerie Paul Frèches jusqu’au 19 juillet. Dans un cube blanc, des oeuvres blanches. N’y a-t-il rien ? Sommes-nous, une fois encore avec elle, dans l’invisible, dans l’effacé, dans le non-révélé ? Qu’y a-t-il ici d’irreprésentable ? Quel point de vue nous faut-il adopter pour voir cet invisible qu’elle s’efforce de rendre visible ?
Au mur, cette fois-ci, on voit. On voit un lierre blanc couvrant le mur blanc, on voit au bout de ces branches de lierre des petits boutons. Réalisant qu’il s’agit de fils et d’écouteurs d’ipod, on sourit d’abord devant cette poésie (ou, si on veut, comme ici, devant cette ’statufication’, cette idolâtrie). On voit, mais on n’entend pas. Et le geste pour entendre est le même geste que celui qui permettait de distinguer la ligne de l’équateur au Credac il y a un an : un pas en avant, la joue contre le mur, l’oreille collée à l’écouteur. Comme devant les Ambassadeurs, comme pour Felice Varini, l’artiste place le corps du spectateur là où il doit être absolument, elle nous engage physiquement dans son oeuvre. Notre corps ainsi positionné, modelé dans une posture contournée (épaules voûtées, visage tordu, oreille écrasée), notre ouïe aiguisée, alors nous entendons. Et ce qui ainsi devient audible est invisible : qui de vous a jamais vu un grillon ? Le bonheur invisible de ces chants de grillons est perturbé toutes les dix minutes par le danger invisible des sirènes annonçant une alerte aérienne, activées tous les premiers mercredis du mois à midi pile depuis plus de 50 ans. Alerte vaine et gratuite, héritage de l’histoire devenu dérisoire (Et pourtant une fois tu me feras parler).
Au sol, par contre, on ne voit d’abord rien, sinon un tas de photos surexposées, si blanches qu’on n’y peut rien distinguer. C’est une pile (comme dans son installation sur la Bataille d’Alger), c’est un effacement dans la lumière (comme dans sa pièce Fiat Lux), c’est un événement historique visité et revisité : il faut descendre plus profond dans la pile archéologique de photos pour y trouver des photos lisibles, elles représentent toutes le même décor du film de Peter Watkins sur la Commune, un simple entrepôt, dirait-on, lieu de représentation de Paris. Il ne se passe rien dans cette photo, on est avant, ou après l’événement, dans l’attente ou dans les suites, comme chez Degas ou chez Delahaye (les villes invisibles, 1. l’attente (Paris, 1871) ).
Enfin, plus loin, de simples bouts de gomme (monuments) : la logique de l’effacement est toujours présente chez elle (comme chez ce jeune artiste, d’ailleurs, ou, plus métaphoriquement, pour ce qui est de l’effacement des corps, chez Mathieu Abonnenc). La gomme comme vestige, comme trace, comme mémoire impossible.
Dans cette première exposition personnelle (titrée “La courbe de l’oubli”; commissariat d’Isabelle Le Normand), le travail d’Estefania Peñafiel reste empreint de la même gravité, interrogeant la mémoire et sa disparition, sa constitution de l’histoire, mais aussi de la même capacité à nous surprendre, à nous prendre à contre-pied.
Lire aussi ici. Photos courtoisie Galerie Paul Frèches.
[Link]
the nonist » The Magic Island
On The Magic Island
By W.B. Seabrook with illustrations by Alexander King.
In 1929 a travelogue was released that would, through the chain reaction it set off, have a profound effect on American popular culture and by extension the American collective consciousness. It was written by a fellow with a questionable resume of personal traits said to include alcoholism, occultism, sensory deprivation, and sadism, who would ultimately commit suicide by pill-overdose. His is not a household name, and is rarely spoken, yet it is through the continued fascinated invocation of another name altogether that we unknowingly evoke his legacy: Zombie! Zombie!! Zombie!!!
[Link]
BibliOdyssey » Beached Whale
[There's no little irony attached to finding out that my access to the web was throttled back by the ISP to 64kb/s (!) at exactly the same time as I'm piecing together beached whale images (from screencaps). A further bittersweet edge involves the transfer speeds and monthly broadband allowance for the service having actually increased in the previous month. One leads to the other of course: greater access begats an itchy trigger finger, more prone to click on video links that would ordinarily be avoided. My own 'beached' status is set to continue for the next ten days, so some truncated posts - as this one essentially is - may appear. At least I have a store of locally saved material from which to sample, so it's just the uploading pain that will be the limiting factor. In any event...]
While looking around the new North Holland Archive site, I happened upon the above beached whale engraving, made by Jan Saenredam in 1602 (this particular print was published in 1618). Here is the direct link to the zooming page. The title is recorded as: 'Illustri generoso Ernesti Comiti de Nassau. fortissimo Horoi, et Belgicae Liberta.is vindici acersimo D. suo clementissimo hoc monstrum [...] monstro so ho faculo D.D.D. J. Saenredam'.
This elaborate illustration conveys a profile of allusions beyond the mere narrative of the whale's beach landing. It belongs to a narrow genre of disaster allegories - of which Saenredam's print is perhaps the finest example - that found a receptive audience, chiefly in the 17th century.
Beached whales were regarded as significant phenomena, not because Early Modern proto-environmentalists galvanised a populist empathy for so striking and unusal a loss of life, but because beachings were a part of the folklore, seen as bad omens and associated with disasters and tragedies. Of course, hindsight offers both the superstitious and artist alike an opportunity to indulge in historical revisionism, so that a causal link back from a series of tragedies could be established to the rare appearance of such a great sea 'monster' on land.
Saenredam presents the dominating scene with a journalist's eye for reporting. The main character, our sperm whale, did actually wash ashore in December 1600 in the vicinity of the towns of Beverwijk and Wijk aan Zee * and Saenredam did definitely visit the location. Ernst Casimir, Count of Nassau-Dietz and hero of the war against Spain, appears centre stage with plumed hat in front of the whale, his back to us, armed with a handkerchief to protect his refined sensitivies against the beast's odour (he visited the scene two weeks after the whale became stranded). He is accompanied by an entourage who are recorded in fine detail (the single finger 'hand-hold' between one of the couples is a delicate touch: the last image detail above).
People are inspecting the carcass and the blow hole as the townsfolk understandably stream down to the shoreline from surrounding hills and a large crowd gathers to revel in the momentous occasion. In the foreground, men stride to work carrying whale axes on poles. The artist himself appears in the scene, just below the whale's jaw, where he draws the spectacle behind a cloak windbreak, using a barrel for support. Perhaps the scene has been a little embellished to give prominence to the dignitaries, but otherwise it all appears fairly natural and not out of keeping with what one would expect to see.
The upper third of the print is a different story entirely. In a series of slightly obscure vignettes, Saenredam alludes to other circumstances that are associated with or thought to be attributable to the whale's appearance on the coast. In the far background we have both solar and lunar eclipses which occurred shortly after the whale's appearance and, like comets and other irregularly occurring natural phenomena, were seen by contemporary observers as harbingers of doom. An unhappy face has been caricatured onto the moon(s).
An angel bearing the coat of arms of Amsterdam, watched over by the ominous looking father time, is shot by death and falls from the sky, and may represent the epidemic of plague fatalities in the capital in the first couple of years of the 17th century. In the cartouche below the lion, the cartographic wind symbol can be seen blowing the land away in reference to an earthquake that occurred at the beginning of 1602. The latin verse at foot of the print is by the humanist poet, Dirk Schrevel, and although I can't read it, phrases like 'mortalibus omen' and 'monstro portenditur' appear in keeping with the overall gloom of the imagery.
The print holds a further dimension of interest because Saenredam was a student of the great Haarlem engraver, Hendrick Goltzius, whose 1598 depiction of a beached whale established the form as a legitimate artistic subject. Goltzius misinterpreted the animal's appearance however, believing that the lateral fin was actually an ear, which he sketched as more stunted and closer to the head than is true. That same stylised approach appears in the image immediately below by Jacob Matham, the stepson of Goltzius. Although Saenredam would have seen the Goltzius/Matham engravings, his own original version turned out to be an improvement over his master's approach.
Spaightwood Galleries have a biography and selection of prints by Jan Saenredam.
Otherwise, information for this entry was gleaned from the North Holland Archive, Rijksmuseum, MoMA and British Museum Prints database (origin of the Matham print).
I had hoped to retrieve a few more disaster prints - relating specifically to the omen-like genre - from around the traps but the current bandwidth problem has dampened my enthusiasm. Instead, I've included a few related images from NYPL, who thankfully allow hotlinking to their smaller images these days - click through on those to get to larger versions at the host site. The final print below is particularly odd: a whale entombed in an iceberg!! I looked high and low using all permutations of search terms I could muster without finding any information. I conclude that this is a pre-photoshop hoax or shaggy sea tale.
“The beached sperm whale on the shore near Beverwijk; the whale is surrounded by diminuative figures and there is an encampment near the dunes; a dog stands on the back of the whale and a boy crawls into the gaping mouth; in the foreground a food seller approaches a finely attired couple. 1601." {by Jacob Matham}
[In other words, although this print is meant to be the same beached whale as Saenredam's, it was actually modelled after the inaccurate version by Hendrick Goltzius from 1598.]
‘Cagelot of Potwalvis'
by Cornelis van Noorde, 1764.
[direct link to zooming page]
‘The Spermacæti Whale to Greenland dock 1762'
IN: London Magazine
‘Balæna Mysticetus'
IN: 'Interesting Selections from Animated Nature', 1807-1809.
‘A scene in Greenland - Pot-whale stranded, and ice-foxes'
IN: 'The Picture Magazine', 1893-1896.
“The pot-whale differs from the ordinary whale inasmuch as it defends itself with much vigour against its assailants, and sometimes succeeds in dangerously damaging and occasionally sinking the boats containing its pursuers. This is not astonishing when we consider that these whales measure from 25 to 35 yards in length, and some 13 to 14 yards around the body. The above illustration shows one of these pot-whales stranded by a storm. Very soon ice-foxes assemble in great numbers and fight for the most delicate portions of the body, until whole monster is totally devoured. These foxes have the peculiarity of being quite brown in summer, whilst they turn grey or white in winter."
‘Whale stranded at Longniddry, first of forth.'
IN: Illustrated London News, 1842.
‘Ein Wallfisch in der Schelde'
“Whale caught by 1603 at Dutch coast" (written in margin)
IN: 'Museum des Wundervollen..' by J Bergk, published 1869.
Arents Cigarette Card, 1920s
Caption: 'The whale within the iceberg'
by Geo. R Halm, 1884. [Link]
ILLUSTRATION ART » BORIS CHALIAPIN
In a different country, in another era, Boris Chaliapin (1904-1979) would have been a "fine" artist and portrait painter, selling his paintings in art galleries. The son of Feodor Chaliapin, the great Russian opera singer, Boris was raised in a highly cultured environment. He received classical art training in Russia and Paris. He painted a series of portraits of his father and other luminaries from the world of classical music.
By the 1920s Chaliapin already had a considerable reputation as a portrait artist in Russia. But the market for classical painting was dwindling, and Chaliapin ended up exhibiting his work in the foyer of the London Covent Garden Theatre.
Like most born painters, Chaliapin learned to adapt to reality so that he could continue to create art. Making his way to the United States, he earned a living in New York City following the path of many 20th century artists with technical skill: he became an illustrator, painting more than 400 cover portraits for Time magazine.
Chaliapin is probably my favorite of all the Time Magazine cover illustrators, a sensitive and talented artist. I hope you enjoy his work. [Link]
BibliOdyssey » Metoposcopia
No, we aren't seeing a parade of the local parkour * club membership rejections. These images are, rather, attempting to convey the important forehead topography that one ought to be able to recognise to assess a subject's disposition and future.
Metoposcopy is a pseudo-science (being generous about it) that was developed in the 16th century by the Italian Renaissance mathematician, Gerolamo Cardano (Jerome Cardan), although his treatise on the subject wasn't published until 1658.
An individual's specific pattern of forehead wrinkles was used to analyse their character and, when combined with astrological interpretations, helped a clairvoyant make predictions about the person's destiny. There are apparently a number of works devoted to the subject from the 17th century and this sort of foolish personality and divination technique is related, to an extent, to the 18th and 19th century obsessions of physiognomy and phrenology.
The images above come from a 1661 book, 'Centifrons Idolum Iani Hoc est: Metoposcopia Seu Prosopomantia' by Johannes Praetorius, available from the Wolfenbuettel Digital Library. These constitute perhaps half of the illustrations in the book.
The images below, including the frontispiece with a central metoposcopy facial figure, are also from a book by Johannes Praetorius, but it deals more specifically with chiromancy or palm reading. The book, 'Ludicrum Chiromanticum Praetorii' (1661), is online at Wolfenbuettel Digital Library. The frontispiece is definitely the best illustration in the book and there are further woodcut schematics of palms not shown here.
**(previously: Brain Maps)**
[Link]
Amateur d'art » Miroslav Tichy à Pompidou (2)
Tous les jours, Miroslav Tichy (au Centre Pompidou jusqu’au 22 septembre) sortait de chez lui et faisait une centaine de photos, trois rouleaux. Tous les jours, dit-il, il flânait dans la ville, à la recherche de morceaux de réalité qu’il pouvait capturer. La très grande majorité de ses photos sont des femmes, à la piscine, sur un terrain de sport, dans des boutiques, au milk-bar, à l’arrêt de bus, parfois chez elles derrière des persiennes : femmes allongées, assises les jambes croisées, marchant. Les jeunes femmes de la piscine sont photographiées de l’extérieur, on ne le laisse pas entrer, le grillage se surimpose, est un motif omniprésent, associé au corps, 
marquant la distance, l’inatteignable (elles sont pourtant si proches).
Les photos de couple (il y en a deux seulement dans l’expo) témoignent de la même aspiration, de ce même désir : cette tendresse que, vieux garçon chaste, il n’aura jamais connue, cette nostalgie du bonheur, 
cette mise à distance par les grillages, les buissons, par l’appareil photo aussi, qui le protège et le met à part, qui le singularise et le distancie. Voyeurisme, direz-vous. Certes, mais voyeurisme innocent, triste; Tichy était accepté par ses concitoyens, homme étrange mais inoffensif. Ermite, mais pas sauvage, il avait des relations avec beaucoup, n’était pas coupé du monde.
La figure de Tichy en évoque bien d’autres, l’artiste maudit, rebelle, marginal, l’artiste sériel, obnubilé par son processus et se désintéressant du produit fini, l’artiste flâneur, marcheur*, et aujourd’hui l’artiste redécouvert par le système de l’art.
Ne manquez surtout pas de voir la vidéo d’une trentaine de minutes tournée par Roman Buxbaum, son ‘découvreur’ : vous n’êtes pas prêt d’oublier certains de ses aphorismes.
Je pourrais bien sûr vous parler de lui pendant des heures (et je serais heureux d’avoir vos commentaires sur l’expo, en ligne ou par e-mail, ça me sera très utile). Je finirai avec une photo, la dernière à gauche avant de sortir. 
C’est une femme blonde couchée, les seins nus : baigneuse morave audacieuse ou actrice autrichienne à l’écran ? La photo elle-même est un peu floue, et, au tirage sans doute, des accidents divers sont advenus : des flots noirs entourent le corps féminin, le portent, le caressent; l’épaule droite semble avoir disparu, et deux traits noirs sinueux encadrent le torse. Une moderne Ophélie, emportée par les flots du Styx. Le cadre aussi a souffert, tâches d’humidité et marques noires. S’en dégage un charme onirique, incertain et fragile. Tichy nous emmène dans des contrées inconnues, où les femmes sont belles et inatteignables, où le hasard et les erreurs gouvernent tout, où on ne peut être sauvé qu’en vivant en retrait du monde et en faisant inlassablement cent huit photos par jour, jusqu’à plus soif, jusqu’à l’extinction du désir. Bienvenue ! Tichy veut dire ‘pacifique’ en tchèque.
* Ce thème est développé plus en détail dans mes contributions aux deux ouvrages mentionnés hier, livre et catalogue.
Des images ici et là, déjà.
Et l’accrochage de l’exposition est raconté ici.
[Link]
Amateur d'art » Miroslav Tichy à Pompidou (1)
Il est apparu à 78 ans sur la scène de l’art contemporain en 2004 à Séville, introduit par le grand Harald Szeemann, la dernière exposition de ce dernier. Il a obtenu le Prix Découverte aux Rencontres photo d’Arles en 2005. Je l’avais découvert à la FIAC; fasciné, j’étais allé voir sa première exposition muséale à Zurich l’été 2005. Il a aujourd’hui 82 ans et la consécration pour lui est cette exposition au Centre Pompidou (jusqu’au 22 septembre); mais il n’a pas quitté sa petite ville de Moravie depuis 50 ans et ne prend aucune part active dans ses expositions, ni dans toute la promotion faite autour de lui. Pourtant, Miroslav Tichy est devenu en quatre ans une figure reprise et intégrée par le système artistique, on écrit sur lui (tout récemment le catalogue, et ce livre en anglais chez un éditeur allemand), on fait l’exégèse de son travail, on étudie ses parentés avec d’autres courants artistiques, d’autres démarches, on l’a extrait de l’univers ‘art brut’ pour l’insérer dans l’art contemporain.
Ce qui frappe au premier abord, dans les livres, les vidéos et dès l’entrée de l’exposition, c’est qu’on présente d’abord la figure de l’homme, à demi-clochard barbu, chevelu, sale, et, au même premier niveau de présentation, ses appareils photos, qu’il construit lui-même avec boîtes de conserves, tuyaux de plastique, capsules de bière, élastiques de caleçon et verres de lunettes repolis. Comment peut-on prendre des photos avec ces monstres, et surtout les photos qu’on va voir ? C’est d’abord la fascination pour cette posture, pour cette ingéniosité, ce bricolage qui s’installe.
Ensuite, on regarde les photos. En commençant par la salle à droite, on voit des femmes, des corps de femme, des baigneuses, des marcheuses, des corps entiers, plus loin des morceaux de corps, fesses, jambes, poitrine (et trois photos métonymes de ‘contenant-pour-le contenu’ : des soutiens-gorge à l’étal ou séchant sur un fil). Car Tichy est avant tout un chantre de la beauté féminine. Un des effets du Coup de Prague en 1948 fut apparemment que les communistes interdirent les modèles féminins nus à l’Académie des Beaux-Arts où il étudiait : Tichy va passer sa vie à tenter de retrouver cette beauté classique, dans les rues de sa petite ville.
Mais tout autant que l’image représentée sur la photo, c’est la photo elle-même qu’on regarde, je veux dire l’objet photo lui-même : chacun est un objet unique, magique, comme une icône. D’abord les photos sont ‘mal faites’, surexposées ou sous-exposées, tâchées de bromure, craquelées, et ces défauts, ces lacunes, ces erreurs assumées leur donnent une étrange poésie. La dernière salle de l’exposition porte sur le thème de l’apparition du corps de la femme (souvent sur un écran de télévision, dans des programmes softporn autrichiens qu’il pouvait capter) et sa disparition, sa mise au noir, son évanescence. Les dernières photos y sont à peine lisibles, des seins ici, des jambes là, on ne sait.
De plus, beaucoup de ces photos (toutes des tirages uniques faits par lui de manière anarchique et primitive) sont encadrées d’un passe-partout coloré, dessiné. Peintre et dessinateur de formation, il porte sa marque sur la photo elle-même (retouchant au crayon ou au stylo, soulignant les courbes du corps ou les traits du visage) et sur le cadre, créant un objet unique, hybride, qui retrouve ainsi son aura, que la reproduction mécanique aurait pu dissiper.
Un peu plus demain. Toutes les photos proviennent de la Fondation Tichy Ocean. Elles ne sont pas datées (ni d’ailleurs datables, sinon entre 1960 et 1990, à peu près).
[Link]
the nonist » Perverse, Subversive, and Absurd
Perverse, Subversive, and Absurd
Or: The Poster Art of Tomi Ungerer.
Tomi Ungerer’s work, along with that of a handful of others, might rightly be considered to not only embody the design style of the 60’s and 70’s, but to have played a central part in that style’s ascendence. Throughout those decades Mr. Ungerer’s work was everywhere, encompassing everything from politics and commercial concerns to erotic publications and children’s books. He was prolific, and in no realm more so than in that of the poster.
[Link]
Book Covers blog » Frank Lloyd Wright
Pleasantly eye-catching cover by Kulick for this Frank Lloyd Wright biography.
Not exactly a novel concept (no pun intended), but the excellent use of Wright’s Eaglefeather typeface along with the harsh black and white pushes this cover into the memorable.
[Link]
BibliOdyssey » Lorenzo Homar
Sgt. Everett Gould, Fitchburg, Mass.
Homar 44 New Guinea
“By his looks and playing, I'd say he belongs with Hackett at Nick's"
(Pen and ink, watercolor, pencil on paper)
Sgt. Homar
Convoy to Philippines
-44
“H” minus "5 or 6". G.I's last shower + shave with (modern conveniences)? before landing
(charcoal on paper)
Sgt Larry Homar
“Hollanchia”
New Guinea / 44
Cpt. Ernest Hughes of Los Angeles, Calif, veteran of Nassau Bay and ?Tambin Beach (?Salamana Campaign) Lae, Finschhaffen(?) and Hollanchia. Still unscathed after four campaigns and yet his loader, Pfc Barnett of Youngstown, Ohio was wounded on this mission, his first.
(charcoal on paper)
Los Renegados: Bats
(woodcut, 1963)
Book illustration IN:
‘The Three Wishes; a Collection of Puerto RicanFolktales'
by Ricardo E. Alegria, 1969.[Amazon]
Acróbata Marroquí
{Moroccan Acrobats}
(Linocut, 1958)
Cartier brooch design [Platinum setting with diamonds, swordfish motif]
(Pencil, gouache on paper, ~1937)
Cartier brooch design [Platinum setting with blue topaz and cascading diamonds]
(Pencil, gouache on paper, ~1937)
Cartier earring designs [Six designs with sapphires, diamonds, and gold]
(Pencil, gouache on paper, 1937)
Inglés, muchachos, más Inglés!
{English, boys, more English}
ITT - Marisol - Culebra - Miami - Miss Universo
(Gouache on board, 1970)
You answer, Mr. Morales
(Pen and ink, gouache on paper. Undated.)
Composición Atonal
(Pen and ink on paper, 1962)
John Kennedy, Spanish ?Head of State, Pablo Casals, Dean Rusk, General Franco
Festival Casals [Studies for posters, conductor designs (one orange, one red)]
(Pastel on paper, 1957)
Pablo Casals [wikipedia]
(lithograph, 1955)
Inscribed in ink along right margin: Offset lithography BUT: The experiment went like this: I silkscreen black ink over an acetate sheet (clear). Then, over a light table I scratched this head of Don Pablo thus making a negative. When exposed over a sensitized offset zinc plate the positive was created. Therefore it is really an original print being that the transfer was not photographic. I drew with only my own pencil sketch for a model which was done mostly from memory. Casals as yet had not arrived in P.R. No photos available only a small program from Prades. Front view about the size of a dime
Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, dirección de Victor Tevah
(Poster, 1965)
Gestalt I
(screenprint, 1971)
{This is listed as being related to an anniversary; I'm not sure what, specifically, it is meant to commemorate but see: 'On Max Wertheimer and Pablo Picasso: Gestalt Theory, Cubism and Camouflage' by RR Behrens, 1998.}
Marichal dibujos y aguafuertes en el Instituto de Cultura Puertorriqueña
(Marichal(?) drawings and etchings at the Institute for Puerto Rican Culture)
(poster, 1963)
Alfabeto Español
(woodcut, 1969)
Inscribed in pencil, lower margin: Alphabet based on text cut into stone. Somewhat similar to the one in the Museo Mare
Sin nombre convoca certamenes
(Poster for the benefit of the Puerto Rican journal, 'Sin Nombre' - 'no name / unnamed', 1976)
475 aniversario del descubrimiento de Puerto Rico [copy 2]
(Poster for the 475th anniversary since the discovery of Puerto Rico, 1968)
Qué hago yo aquí?
{What am I doing here?}
(Gouache on paper, 1972)
Lorenzo Homar receiving a PhD from the InterAmerican University in Puerto Rico
[all images © the Estate of Lorenzo Homar]
Lorenzo Homar (1913-2004) was born in Puerto Rico but moved to New York City with his family when he was fifteen. Financial pressures forced him to leave school early for a textile factory job and he obtained some tutoring for his emerging interest in art. He moonlighted as a vaudeville gymnast.
Homar found a position with Cartier Jewellers in 1936 as an apprentice designer, where his on-the-job training in drawing and engraving was augmented with night classes in typography, painting and graphic design at the Pratt Institute.
In the Second World War Homar enlisted and served in the Pacific in New Guinea and he was awarded a Purple Heart following injuries received in action in the Philippines. His draughtsman skills were put to good use in mapmaking for the Army Intelligence Unit and his military sketches were published in a number of journals in the United States.
After the war, Homar returned to Cartier, took more art classes in Brooklyn and continued his habitual tumbling and acrobatic practice on the beach at Coney Island. There are more than a few prints devoted to athletic pursuits among his portfolio.
He returned to Puerto Rico in 1950 where he co-founded the Puerto Rican Arts Centre with a group of fellow artists. A governmental Directorship of Community Arts Education followed and he also established a graphic arts workshop. Homar excelled at screenprinting in particular and he established his own studio in 1975.
“Homar is credited as the artist most responsible for promoting printmaking in Puerto Rico. He trained other important artists, such as Antonio Martorell, José Rosa and Myrna Báez, and ran workshops at Cali in Colombia and in Havana, Cuba, helping to extend his influence further afield in Latin America. While serving as director of the graphic workshop of the Instituto de Cultura Puertorriqueña, the most important in Puerto Rico, from 1957 to 1970, he produced more than 500 posters and several portfolios of screenprints, such as Casals Portfolio (1970), which were admired for their distinctive style and sophisticated technique. As many as 30 to 40 manual runs were used in the making of each poster, which were characterized also by an expressive use of typography and textures.Screenprinted posters, woodcuts, engravings, political cartoons, book illustrations, logos and stage designs all feature in Homar’s prolific production. From 1964 to 1972 he produced a series of monumental woodcuts in which he combined political or poetic texts with highly evocative images and expressive rhythmic incisions. Assimilating aspects of American Realism and German Expressionism, he also continued producing paintings on social realist themes rendered in a neat, meticulous style that suggests a printmaker’s rigour and precision." [Mari Carmen Ramírez from Grove Art Online {via Zen Studio}]
- Princeton University Library has a collection of 350 posters, prints, designs and sketches by Lorenzo Homar from where all images above were obtained. [nb. I've done a little background spot cleaning here and there and tweaked the colour/brightness in some of the images posted here]
- Wikipedia article
- The quartet image below comes from a selection at Puerto Rican Posters.
- L’Atelier have a small collection of Homar prints.
[Link]
Amateur d'art » Scénes du Sud
La deuxième édition de Scènes du Sud au Carré d’Art à Nîmes (jusqu’au 21 septembre) est consacrée à la Méditerranée orientale, des Balkans au Proche-Orient. Cette zone est pleine de richesses, de potentiel, et les artistes présents le montrent bien, attentifs qu’ils sont à la réalité, aux fractures de la région.
Plusieurs ont déjà été mentionnés ici, le travail de Walid Raad (Atlas Group) sur l’archive et la mémoire face aux ‘désastres surpassants’ tels les guerres du Liban, la fausse réalité du camp d’entraînement de l’IDF représentant un village palestinien, sur une photo de Yaron Leshem, ou la vidéo ‘Ikea’ de Guy Ben-Ner.
De Yael Bartana, magnifique interprète des tensions israéliennes, une très belle vidéo, A Declaration, filmée sur le rocher d’Andromède face à Jaffa : un rameur (est-il juif ? est-il arabe ?) y remplace l’étoile de David par un olivier. Au delà des symboles substitués, évoquant la paix, ou le retour, ou la restitution des terres occupées, c’est un film formellement très réussi : effets romantiques de lumière, ralentis dramatiques, esthétique de l’effort héroïque.
Une des pièces les plus fortes de l’exposition est une vidéo de la Palestinienne Jumana Emil Abboud, qui s’efforce patiemment de faire rentrer les graines d’une grenade dans le fruit décortiqué, en vain, bien sûr, et le jus rouge comme du sang s’écoule et la tache : c’est l’impossibilité du retour, la stérilité des efforts de réparation ou de restitution, mais elle essaie encore et toujours, obsessionnellement, ne perdant pas espoir (Pomegranate).
La Bosniaque Danika Dakic présente une installation mesmérisante (Surround) où, allongés sur un lit circulaire, nous regardons au plafond un écran tournant en rond : sept personnes nues, agenouillées, vues d’en haut, lisent, psalmodient, récitent des extraits de leur livre sacré. Il y a là l’humanité entière, hommes et femmes, noirs, blancs, jaunes, et toutes les religions : chrétien, musulman, juif, hindou, taoïste, bouddhiste et confucianiste. Les voix tournent d’un haut-parleur à l’autre. A la fin, tous se retirent en rampant; ne restent plus que les livres, somme des croyances de l’humanité. Le spectateur est entré dans le rituel, il a vécu un moment de sacré universel.
Enfin l’artiste turque Hale Tenger présente Decent Deatwatch, une installation-morgue de bocaux sur des étagères évoquant la guerre en Bosnie, hommage aux réfugiés, et surtout Beirut, une vidéo de l’Hôtel Saint-Georges, hôtel mythique devant lequel Hariri fut assassiné. Dans cette zone interdite, elle a filmé la façade de l’hôtel avec ses fenêtres ouvertes où le vent agite les rideaux, parfois doucement, parfois violemment, voilages soudain déchaînés dans une explosion de lumière et de bourrasque, puis apaisés, à l’image de la région, peut-être, un jour.
Photos de l’auteur, excepté Dakic, provenant de son site. Danika Dakic étant représentée par l’ADAGP, la photo de sa pièce sera retirée à la fin de l’exposition.
[Link]
BibliOdyssey » Décorations Polychromes
Ceiling design from the Palazzo Scrofa-Calcagnini in Rome*
(*Does anyone know another name for this? There are scant details online and what there is suggests it's in Ferrara.)
Mosaic detail from the Bardo Museum in Tunis (plate by Homolka)
Detail of painted fireplace ornament from Palazzo Ducale in Urbino
- Wikipedia
- Flickr (ducale + urbino)
- Official site (in Italian)
Lunette decoration from Palazzo Ducale in Mantua, Lombardy
Correggio’s 1518 vault fresco in St Paul's convent (Camera di San Paolo) in Parma
Ceiling painting from the Hotel de Ville in Prague
(I presume this is from the new town hall building [Novoměstská Radnice] but I'm not sure. Anyone?)
Giulio Romano's 16th century dome painting in Villa Madama in Rome